主持人：今天是我们30年系列讲座的第七场，今天非常高兴请到了毛焰老师为我们做讲座，他将为我们讲述他心目中的大师。
毛焰：各位好，实际上我有很多年没有做过讲座了，只是和学生有一些小的范围的沟通交流及放一些资料。这次，我觉得是特别好的一个机会，民生现代美术馆除了办一些非常棒的展览，美术馆也向公众、向大家提供学术的讲座，我觉得非常有必要，很重要。可以让很多人从更多的侧面了解艺术现在的情况，包括以前的状况。我最早和周铁海馆长聊绘画，相比而言，属于我的强项，我从小到现在，一直是在绘画，对绘画有一些感觉。94、95年的时候，大概15年前有一段时间，我记得很多我的学生对绘画没有兴趣，那时候正好是中国当代艺术爆发的时期，很多多媒体、新的艺术进来，很多学生，甚至一些很有才华的年轻人都对绘画失去了兴趣，要做关联摄影等，当然这些没有问题。但当时我觉得，绘画好像怎么那么不重要?当时不只是我，包括我上一代的画家、艺术家，都有这样的感觉。到了今天，这几年的情况又好像发生了变化，发现做了很多年艺术的人，几乎同时又开始搞绘画了。我身边有很多朋友是这样，很多年没有画画，又开始画画了，显然是市场因素起作用，绘画突然变得很红，画开始越来越值钱。
我也非常想在今天的讲座上讲一下，绘画从来都是如此，并不是多么了不起的事。但为什么会造成这么大的反差?我觉得里面有些问题的，我们可以考虑一下。如果说仅仅从别的方面、市场，还有艺术的发展考虑，我觉得显然是不太好的。绘画，我刚刚说了，从原来就如此，绘画永远充满魅力。不只是我，也是很多人的艺术梦想。我们随便说，从梵高到中国传统的林云，到八大山人，到齐白石等，都有很多的艺术家。
我们还要回到绘画的本身，这又面临一个问题，现在很多人看到的都是当代的绘画，包括当代西方的绘画，特别是很多学生，我现在感觉到的都在看西方当代画家的作品，很棒。我们有越来越多的机会可以看到这些作品，但是有一个问题，我们需要了解绘画的渊源、绘画的历史，还有一个很重要的东西是绘画的道理。从这个角度来讲，仅仅看当代是远远不够的。我有时候会和学生说，西方的很多当代艺术家，真的不错，画得非常好，非常有影响力。。。。。。今天我带来一些古典的绘画，是我最喜欢的大师的绘画作品。我不是艺术史家，不是评论家，我今天凭我的感觉随便讲。
这次带来的大师作品，因为时间的原因等，都是从画册上翻拍的，真正有些作品我看到过原作，但有很多是你很难碰到的。如果大家有机会，包括我自己，希望可以看到大师的原作。
一、 格里内瓦尔德
这是德国一位大师，这位大师在中国包括很多画画的也知道的很少，但他是西方美术史、德国艺术史上是很有名的。《耶稣被钉上十字架》这张画，是整个西方历史上画耶稣受难图最令人震撼的。格里内瓦尔德，他的造型上具有极端的力量，不是常规的造型，是德国的造型，都是来自内心世界纯粹的心理上，经历过极端的痛苦、苦难后得出的经验。这是局部，我们可以感受一下耶稣的形象，和我们后来看到很多耶稣的形象不一样，后面看到的都很漂亮、唯美。但这个耶稣的形象，给人感觉是经历了极端痛苦，他认为人只有肉体受到极大的痛苦，才可以达到精神上至高的高度。通过造型可以看到耶稣的造型，他的手、脚，和后面别人画的耶稣受难图不一样。
这是主画的一部分，圣母玛丽亚。玛丽亚和这位仕女，可以看到造型比例不是我们简单说的夸张，是达到了最大的力度，传递出人极度痛苦的状态，包括手，包括衣物等所有的地方。他留下一些素描，这些素描都是不得了的东西，非常厉害。
这张，我们可以感受一下它的线条、人物造型，包括明暗的方式。所有这些东西，都是绘画很重要的一个部分。
他的作品人物造型根本不是取决于观众的观念，完全是自我的认识。他们特别忠实于自己的内心，他的素描非常的朴素，没有所谓好看、漂亮的东西。
这里面有一个问题，有的时候不是在于我们描绘的对象多优美，或者是外观、表面上的，绘画更多是心灵上的，这是非常感人的。
二、阿尔布雷特·丢勒
丢勒是德国艺术史上最至高无上的，艺术的角度来说，因为有大师，成就了严谨、自律的民族。
这是他26岁的自画像，从年龄推断，简直不可思议。我们可以体现一下他对自我的认识，包括他描绘的严谨，尽管是画自己，但绝对不是简单的宣扬自己的个性，而是把自己放在非常自尊的状态下。
这是他13岁时的自画像，因为他的父亲也是做版画，他从小受到训练。从头发的表现，我们感觉到右边的头发还有一点生硬，但是左边的，已经非常的自如，包括手、衣物和人物的刻画，13岁已经是大师了。
这是耶稣，这是大都会博物馆的。我们可以看出下面铅笔素描的痕迹。这是头部，可以感觉到底稿，他再在上面一遍遍上颜色。
这是他画母亲的肖像，这样的素描，非常厉害。我记得20年前我就说，这样的作品，尽管是素描，但在西方肖像艺术史上算得上经典之作。
丢勒画了很多的风景，也是不得了的。我们很难想象这样的风景，到底是写生还是什么?当时，只有不断的观察，花很长时间观察，每天观察一点、记录一点，这样的风景写实可能要画很长的时间。不是像印象派可以很快的完成一副画，当时这样的作品，我们从各方面推算，他观察的时间及表现的时间、描绘的时间，都是不短的。每一副画都非常严谨、非常的精益求精。
这个作品，画的是风景，这个作品也很奇特，甚至可以和中国传统山水做一些类比。
他还画了很多很小的素描。这些作品都是做铜板前的一些稿子，即使是稿子，他们也是一丝不苟，非常严谨的。
像这样的作品，我们无论从欣赏还是学习的角度，应该经常看，但不知道现在还有多少同学，或者多少喜欢的人，去看、去欣赏这样的作品，去学这样的作品。
这是一副油画的素描稿。
这是他最著名的一张自画像，也是艺术史上第一张正面描绘自己的自画像。这样的自画像，他不是要把自己画成耶稣那样，但是他正面地面对自己，不是自我，是他认为人的一种理想状况，通过自画像转变出来的是人的自尊。像这样的作品，真的是空前绝后，绝无仅有。
丢勒，是马丁路德非常重要的助手之一，如果不是那么迷恋艺术，丢勒完全可以成为一代神学家。但他迷恋艺术，没有朝那条路发展。
这个作品我见过原作，这张作品不是很大，但是会让你莫名其妙的感动，不是简单欣赏的问题。
这是四仕图，后面的艺术史家、评论家，根据这四个不同的肖像、四个气质来分析人的内心，分析他的性格特征。
这样的作品，如果大家可以看到原作，真的是不得了的事情。
三、戈雅
刚才丢勒是德国的艺术家，戈雅是西班牙的。代表西班牙绘画的大师有很多，包括后面的毕加索等，但我个人认为，只有戈雅才真正树立了西班牙的绘画，戈雅是西班牙最了不起的大师，最伟大的大师。戈雅，是我认为古典大师里面最匪夷所思的一位大师，也是独一无二的。这是他的自画像。他有些作品是很少有画得非常规矩的。
戈雅的作品当中，始终有一种极为特殊、神秘的气质，特别令人着迷。他的画，其实根本不好看。但是戈雅的东西，你越是看，越会入迷。
戈雅的用色、用笔，还有气质，真的是在艺术史上独一无二的。戈雅的油画，比他晚一些的一位大师(哈斯)也是用笔非常娴熟。很多学习油画用笔的都会去看大师的作品，我也看过，也学过，但确实(哈斯)的用笔和戈雅相比，戈雅真的是叫出神入化、别开生面。戈雅是整个西方绘画史上别开生面的大师，包括对后面，一直到现在。包括我们下面要放的近代大师培根，蒙克，最开始的源头，都是从戈雅这条线过来。包括后来的表现主义，都是从戈雅过来的。还有超现实、神秘主义等。
这是画他的儿子，确实在戈雅的画中，这属于比较少有的，画得很温暖、温情。
这是他圆顶的一个壁画，可以感觉他的用笔不得了，非常开阔，非常大刀阔斧、笔出神入化。壁画要在很短的时间内把颜色上上去，否则墙壁上的水就干了。这就对造型、用笔、用色有很高的要求。
戈雅不是一般意义上的大师，我觉得他就是匪夷所思。按照今天的话来说，我感觉戈雅有一个阶段，像这张画的感觉，这是当时国王查理的一家，以前我们认为戈雅是故意要把国王一家画得这么难看，根本不是这么回事，这是他伟大之处，是他天然的，他眼里看到的，就是如此真实的，尽管面对国王一家也是如此的表达，迫切、急切，甚至说没有耐心。问题是国王很了不起，按照中国的话来说国王是昏君，但他是超级发烧友，对艺术的鉴赏能力极高，就迷恋戈雅的画。包括他的王后。戈雅画得非常难看，但他们都非常喜欢。左边穿蓝衣服的，这位继承了王位，他就很讨厌戈雅，讨厌戈雅把他们家把自己画得怎么怎么样。你看，戈雅画局部的时候怎么画的?整体的感觉，你看这种氛围、这种舞台感，但再落实到局部，真的是一笔草草，但又完全的符合整体。我们可以看到用笔，可以感觉到，完全是出手无返，无法无天，这个人的功力太深厚了。你看项链。我想，这样的绘画没有人能比他画得更快了，他是第一时间把这个事情搞定，不罗嗦。但又如此的奇妙。你看这些林罗绸缎。给人感觉毫无耐心，但这就是他的风格。你看这厚、薄的区别。戈雅，是艺术史上很少给人这样感觉的艺术大师。我经常想，他真的，用今天的话来说就是HIGI掉了，按照我们的理解，你正常绘画，功底再好、再扎实，又有如此胆色、认识、又如此急迫的完成这样的画，我觉得真的难以想象、匪夷所思，能达到如此高的境界。在艺术史上，古典大师我看下来，像戈雅这样的人真的是独一无二，无可比拟。
我们可以看看他的用笔。用书法的角度来说就是没有时间考虑，急迫地画完，可能画完就要出去喝酒，都有可能，但特别具有极端的震撼力，没有道理。这个里面，绝对是有了不起的道理在里面。戈雅的画，我觉得看起来是最过瘾的，我们上大学的时候，根本没有办法看，觉得看不懂，那时候我喜欢很古典、唯美的东西。当时，大学三年级的时候我认识了夏小宛老师，我在中央美院读书四年，我觉得我受很多的影响，包括我的导师都是很好的老师，但我受最大影响的是夏小宛，因为通过他我迷恋上了戈雅。
这张画在前两年我看过原作的。
戈雅，也是画家里面大量使用黑色的。他的颜色色调非常重、非常浓郁，甚至非常阴森。这对后来很多大师都有深远的影响，包括印象派的精神领袖马赖，也从他这里获得很多东西。戈雅的素描也非常了不起，他的版画，都不得了。按照中国的传统角度来说，要看懂他真的不容易，或者你觉得不错，但是你要喜欢他真的很难。
四、德拉克洛瓦
后来印象主义，之所以出现印象派，可能很大的原因就是因为他。因为他的出现，很多后来的艺术家没有办法弄了。如果不另辟蹊径，碰到德拉克洛瓦这样的大师，谁也没有办法，都会自愧不如的。因为德拉克洛瓦是18世纪，(浪漫)主义最伟大的法国大师。在卢浮宫有几个主题馆，他旁边其他的人的画和他的放在一起，德拉克洛瓦的真的是灿烂、辉煌、完美。前面的第一张画，当时我拍了几个局部，这是他21岁时候的作品。特别是这种人物的感觉、氛围。这个作品是他24到26岁完成的作品，大屠杀，真的是完美，真的是天才。古典绘画到了德拉克洛瓦，是一个分水岭，已经达到了绘画最高峰。我觉得，他和戈雅恰恰是两个极端。戈雅是非常阴森黑暗的，德拉克洛瓦是非常辉煌的。德拉克洛瓦有极深厚的文学修养和极高的音乐素养，德拉克洛瓦的日记，可能很多人读过，这个书也不得了，我前段时间也把这本书拿出来，很陈旧了。前面已经破掉了，我用纸包好。后来我意识到，这本书在我手上，已经有近30年了。我前段时间，又拿出来重新读，真的感觉不得了，学到很多东西。在法国巴尔迪斯的回忆录当中，也提到这本书是不得了的。
德拉克洛瓦的绘画，从画面角度来讲，每一笔都是活的，整个画面任何地方，从大的地方到局部，所有的地方都是活的，非常鲜活、活泼。现在我们看很多的作品，都是死的，包括用笔，都是硬梆梆的，没有感觉的。而德拉克洛瓦的作品，每一笔都是鲜活的，没有办法，他是天才。。
他画的乔治桑夫人，这本来是画她和肖邦，这副画最后变成两副画了。把画分了。
德拉克洛瓦也是那时候第一个自觉的打开自己疆界的大师，到阿拉伯世界、去非洲体验异域文化，这也影响到后来的印象主义，印象主义后来从东方、非洲获得很多新的元素。
他的作品，我们可以感觉，每个地方都有表情，就像戏剧一样非常丰富，情感非常饱满。
这副作品非常小，在卢浮宫里面，没有办法拍，正面拍比较反光。用笔，不得了，不是我们现在老老实实的画，他控制力、层次感、经验和感觉，都保持、结合得非常完美。
其实他很多的作品都不大，早期画了几副大的，后来又画了几个王宫的壁画。
像这样的画，都非常小，但我们可以体验到里面人物的东西，这张画不到一米。
五、委拉斯贵兹
这是西班牙，在戈雅前宫廷首席画家，他一生很显赫，国王对他非常倚重，最后都是托孤大臣，宫廷总管，他要去威尼斯时间太长，国王都要把他招回来。油画到了委拉斯贵兹，真的很完美了。他的完整性、用笔、用色，已经用到直接画法了。但委拉斯贵兹不是一个才华横溢的天才，不是那么牛的大师，委拉斯贵兹恰恰和刚才几位大师相比，和戈雅、德拉克洛瓦相比，我认为他是极其朴素的大师，很老实、很厚道，他的画从来不夸张，从来没有过分的地方，他觉得差不多了，就不会过分的添油加醋。这方面来讲，他很老实、不过分。他非常的均衡、协调、完美。因为没有过头的地方，不会过分渲染自己的个性，始终控制得非常中规中矩。他画出来这样的东西，恰恰有着非常协调、和谐的美。他非常了不起，但是我个人并不是特别喜欢委拉斯贵兹。但这些年来，我越来越喜欢他。真的了不起，他真的是很朴素，不太过分的强调自己，完全忠诚于他画的对象，还要把对象画得更完美一些，他是修饰的大师，但修饰不过分，因为朴素的天性，他的修饰也是非常中规中矩，非常温和的。他画出来的，都是经典之作。我们可以感受一下他的用笔，真的叫娴熟。这样的画法，没有比这画得更好的了。包括色彩，包括明暗的方面，不得了。
委拉斯贵兹的作品，实际上是我们上一代画家，包括我的导师，他们最梦寐以求的绘画就是这样的用笔娴熟。但就这样的东西，我觉得也是没有办法再企及的。
这是他画的人物素描。
六、维米尔
维米尔的画，我拍过他10多张的原作幻灯片，但不好弄，所以还是从画册上翻拍的。维米尔的作品，我在95年第一次在大都会××美术馆看到他的作品，我当时真的傻了。在此之前，我感受到的老师，我们学习绘画要强调力量、激情、表现。第一次看到维米尔的画，为什么我傻了?我感觉每一副画都很小，每一副画都非常的温和，根本没有什么所谓的力度、所谓的激情，他的作品非常女性、非常安静、非常的平和、温和。当时对我有非常大的影响力，觉得绘画可以这么温和，后来我更讨厌当代艺术当中过度表现自己的绘画，过度强调、宣扬自己的一切。这一切的来源就是维米尔。他非常温和、缓慢、安静，一年也就画一两张画。维米尔，我觉得有点悲惨，43岁的时候他就去世了，而且他很潦倒，他是天主教徒，生了很多孩子，要养孩子，要还债。但他并没有因为这样就迎和别人，画很多画，他一年就画一两幅画，这非常难维持。今天他留下的作品大概不到40幅，他真的是号称大师中的大师，他一辈子最高的身份，就是他们荷兰镇上，相当于我们现在一个县，县美术家协会的会员。和委拉斯贵兹、和德拉克洛瓦相比，他太卑微了。但维米尔，真的是不得了的大师。完美之极。美国上世纪50、60年代最厉害的一个画商卡斯迪里澳，推动美国当代艺术最重要的幕后推手，有很多大师都是这个人推出来的。他做了很多艺术大师，就问他，你这一辈子最想拥有的一副作品是什么?他想都没有想，他说我最想拥有一副维米尔的作品。可见，这个人的眼光是很厉害的。尽管他推动美国绘画艺术的潮流，但是我觉得他是真正懂绘画的人。作为一个画廊老板，他是懂绘画的人。
七、蒙克
我认为，蒙克和塞尚是两种类型的大师。今天我没有准备塞尚的东西。我觉得蒙克作为北欧艺术家，和地理环境有关系，他们有一种孤独感。一直面对自我内心，不断的忏悔，精神心理非常强。他们往往容易把东西非常直白、非常直接、非常热诚、坦率的表现出来。我觉得蒙克是这方面最了不起的大师。塞尚，像一个哲学家。当然，塞尚也不得了，蒙克这样的大师是始终坦然面对自我。即使是这样表达自我情感的作品，我觉得里面也充满了一种自律性，绝对不是无缘无故地表现自我，无缘无故地放纵自己，天马行空地乱画，绝对不是张牙武爪的，他们非常诚实、坦率。
这也是饱含激情。
他后来画了很多大画。他即使是画稿，也是在很大的画布上画，稿子动不动3、4米，但画够了，就不多画了，扔一边。很多的画，聊聊数笔就完了，他始终在找他的东西，找到了就不罗嗦了，绝对不会像现在的很多画家，要做很多的效果、玩很多的形式感。这样的大师不屑于玩那种趣味。很多当代画家的画，除了乱七八糟画的东西，还有很多艺术家的作品，表面非常优雅、很有形式感、很有趣味，但我觉得这种趣味是很低级的东西，因为这种趣味还是过于自我的东西。蒙克的作品，今天我们看起来仍然有一种感染，非常真实、感觉非常自然，根本不可能去画低级的东西。今天的绘画里面，有很多很多低级的东西，包括刚刚说的塞尚，他的画，没有好看的画。你要找到一张塞尚好看的画?找不到。塞尚作为现代艺术之父，伟大之处在哪里?在追求绝对的原则。这种东西，是极为本质、根本的东西，绘画里面的道理都在里面。这个很重要，绘画千万不要做作，要自然的、天然的。你如果做作，不管怎么做都做不出好东西，一定要体会大师的自然。你画得差没有关系，不会效果没有关系，技巧不好没关系，要非常自然的画画。
不屑于趣味，这个要求非常高。
蒙克是表现主义、象征主义之父，影响力很大。到现在位置，表现主义都是非常重要的流派，蒙克是最早的。他受梵高的一些影响，受过印象主义的一些影响。但到了蒙克这里，确立了一种表现主义的规则。
他画的所有东西都极具情感，包括他画的月亮的、光的感觉。
八、培根
培根是近代非常不得了的大师，在此之前英国就没有出现过。出现了培根，所以整个到今天英国最新的很多人，都受惠于他。包括(达明)画了一系列的作品，做展览，绘画都跟培根有关系。
培根35岁的时候才开始画画，之前做设计，而且早期一直认为自己画得不好，也有一种强迫症。但是培根后来画开了，不得了。
这是他画的弗洛伊德。他画了很多弗洛伊德。这组肖像，我们可以看出培根厉害之处，把委拉斯贵兹经典、古典的教皇，转变成他自己的画。
我看(巴尔迪斯)里面也谈到了培根的问题，我非常惊讶。看(巴尔迪斯)里面谈到培根，而且说非常好。(巴尔迪斯)和培根关系非常好，非常欣赏培根。他等于是把委拉斯贵兹的教皇和一些画，按照今天的话说就是恶搞一下，但有点搞大了。这作品是根据(伦勃朗)自画像的一副变体。这就是从委拉斯贵兹那一批过来的。其实，今天来看，也觉得很古典。
没有办法，翻拍的画有点虚，其实这个画，真得画得好极了。
这也是画的弗洛伊德。这也是弗洛伊德。
培根在50、60年代就不得了了，培根的弗洛伊德是到80年代才逐渐被公认成为大师。弗洛伊德的压力也比较大，因为培根太火了、太成功了。但我觉得反过来讲，弗洛伊德了不起，我看弗洛伊德70年代的工作照片，从70、80年代穿的就那么几件衣服，风衣、围巾，最后几十年已经完全是隐居一般，和外界没有关系了，就是画画。他现在还活着。他令人尊敬，完全是大师的境界。我想到今天，弗洛伊德还是在画画。
九、我自己的作品。
这是98年的一幅作品。这幅作品，是我画托马斯之前的画，我画的第一个老外，是一个荷兰的小伙子。当时，是在陈逸飞老师底下模特儿公司工作，荷兰的一位DJ，在上海工作。
这是10年左右的作品。现在来看，也可以看出，我从刚才大师身上学到，到今天几乎我每天在画室都会或多或少的翻翻他们的画册，我不知道是否可以感觉到画作和他们之间的关系。这些是自我、个人的东西，很简单。化学反应，95%、更多都是传统经典大师的，你必须学习。你的个性是与生俱来的，没有太多的必要讲你的个性。剩下的5%，你们去坚持学习、坚持绘画，你们自然而然的就会有那种化学反应，就会有那种东西，这可能就是艺术家创作的东西。你不要把个人的东西讲得太大，所有的东西你都可以从大师那里学到，所以要学习、要感受最好的东西。
作幅作品是我比较新的，3.3米乘2米的，还没有最后完成。
这是我根据(提香)的一副作品，改编的一副画。
有时候画画比较累，我会画一些很随便的东西，很不负责任的东西，很舒服。
这个是画的(安迪)，还没有画完。
放的片子就这么多了。今天我大概的讲讲，大家有什么问题也可以聊聊。
观众：刚才看到一个系列，是油画托马斯。为什么是白眼系列?之前的系列我都看到过，白眼系列是不是尺寸比较小?是不是相当于正稿前的小稿?笔触看起来比较快。
毛焰：不是小稿，是我画比较小的作品，比较放松。以前我总是画睁着眼睛的，这十年中是画闭着眼睛，突然有一天不想画眼睛了，就弄白了。
观众：之前挂着的比较活，我刚才和朋友看，旁边放着的(曹戈)的，我们当时就相比两张有什么差别，感觉是比较接近的。为什么毛老师的不叫敏感者?我们也感觉很悉尼。
毛焰：曹老师的敏感者，那这画对我们的影响很大，那副作品非常棒。他画这幅作品的时候我们还在美院上学，尽管画不大，但是我当时的印象当中，非常震撼。曹戈老师，那是他最好的时候，画了很多非常好的画。当时我上学的时候，我很清楚地记得那个感觉。那时候看曹戈老师，对我们的影响很大，状态非常棒。他是内蒙人，我当时的感觉，包括很多其他同学的感觉，我们很后悔，我们为什么不是内蒙古的人呢?当时感觉只有曹老师，只有在那个地方才有那样的感觉。
观众：云，把北方的云画得特别有感情，云都让我很感动。我感觉我在那样的环境是否也可以画出那样的感觉?
毛焰：是的，当时我们就是那样的感觉，想生在内蒙古。这很有意思了，这要求你去寻找自己。每个人与生俱来是不同的，所以你就要去找自己的东西。可能很多东西好，但那个东西不是属于你的，你就要想想，什么是适合你的。
观众：我以前是在上海(刘海粟)美术馆，有一张您在中央美院大四的全身男体，感觉您的笔触和现在还是一脉相承的，可以看出过来的痕迹。但感觉现在都是高调子，当时的颜色纯度比较高，是不是和您到了南京古城、江南古镇有关?
毛焰：和南京没有关系。我在南京之前，很多画画也不是这样。
毛焰：这就是我对绘画的认识，对自己的认识。我讲到维米尔，在那之前，我画的画也很张牙舞爪，很敏感、很厉害，后来就不了。当然，这个东西和年龄有关，和你的认识有关。我觉得，和南京没有关系，跟你对文化、对绘画的认识、和你的理解不一样。我在南京很多年，很讨厌南京的很多画家，我说，这不是你南京独有的东西。南京很喜欢把这个讲成是南京独有的，有很多人说毛焰在南京这么多年耳闻目染。
观众：您刚才一副画当中有一个小雕像。
毛焰：那是我当时带学生去看德拉克洛瓦的画册，看完我就想太棒了，我要模仿德拉克洛瓦，按照德拉克洛瓦的感觉画一张这样的肖像。本意是如此的，于是我开始画了。画着画着，感觉出来了，结果就画成这样。这张前，我的画都是肖像大画，都是比较激烈的、比较强烈的。但从这张开始，其实我想模仿德拉克洛瓦的。这张画，96年年底是我转折期的画。画完这张之后，第二张、第三张就不一样了，这是我转折期的第一张，这张画很棒。
观众：谢谢毛老师。
观众：毛老师，听到您非常精彩的演讲，我注意到一点，您对当代画家有一种自我宣泄，在画面上把自己很激烈的色彩毫无保留天马行空地强加于观众，对此有些反感。我个人理解，您是强调自然情感流露，不管技巧如何、画技如何，要自然的画出真实、平和的东西，这可能是您追求的境界。刚才浏览了一下您的作品，我想听一下，您对自己的哪幅作品，感觉是代表自己真心、自然情感的流露。
毛焰：刚才放的作品，是我觉得我作品当中可以看看的，没有哪张说是我最喜欢的、最棒的。我现在不太追求这些东西，比如我哪张画最好?我现在不太追求，我觉得，那个没有办法追求。我追求的底限在不断的提高，这个很重要。我不要求我的画有多么多么好，原来会较真的，现在不太这样了。我觉得，底限要不断的提高。至于多好，不重要了。我觉得，刚才那些画，都还可以看看。并不是说我画得多好，没有那种感觉。
观众：毛老师，我是一个绘画的初学者，我想问一下那些大师画的脸有黄的、白的、绿的，为什么这些大师要画这样的颜色?这样的颜色有什么含义呢?
毛焰：肯定有他的含义。你刚刚主要是说色彩对吗?像培根的。实际上，这些色彩，从这些大师开始变得主观起来了，变得不是个人，但很主观，有强烈情感的精神指向，比如梵高第一个把太阳画成金黄色，在此之前没有人这样看太阳，因为梵高有一根筋的味道。这些大师之所以了不起，是因为在自然界发现了主观情感东西，可以和个人的情感结合起来，以非常自然的方式、强烈、饱满的方式传递出他的感受。这些大师为什么了不起?因为有极大的创造力。
观众：毛老师您好，刚才听您说画的时候，您说作为绘画在自己创作的时候不要太多有意的表现自己，你坚持画就可以了，自己的风格会自然而然的形成、流露出来，这点我非常赞同。上个月听过陈丹青老师的讲座，讲当代艺术。他说当代艺术最大的特点，就是完全摒弃个人的情感和特色的东西，这个您同意吗?
毛焰：我觉得不是。当代艺术，很多艺术家骨子里要树立自己的概念、树立起自己的品牌、树立自己的价值观，而且这种价值观要和时效的东西发生关系。其实，我是说当代艺术有一些艺术家过度的放纵自我，比如说一些画家，他很有能力，很有才能，但是他急于表现自己，放开了画，画很多，我觉得这是很大的问题，覆水难收。我们讲弗洛伊德、培根，弗洛伊德画到80岁还是很严谨的在画。一个是方式的问题，还有一个是人的认识问题，人的认识有高有低。有的人放开画，在我看来就是瞎画，越瞎画越是想证明自己，越想证明自己越是瞎画，越是做效果画画绿绿、张牙舞爪，而且有不少这样现代画家很火，但我觉得大家不要当回事。艺术、绘画，这么多年要形成自己的风格、要达到具有高品质，没有长时间的投入是不行的。想做大师，不是那么容易的。那些大师，都没有认为自己是大师。像维米尔，包括塞尚，塞尚一辈子极度不自信，一开始非常笨拙、生涩甚至很蠢地画画，但当时没有人认为他的东西有价值，即使他最好的朋友左拉，认为他很有天赋，但认为他没有办法成为一个好的画家。塞尚了不起在哪里?他的情况不像我们所想的，塞尚的父亲是银行家，他不缺钱。只是父亲绝对反对他搞艺术，但父亲最后还是认同他。当时他给父亲提出，我每个月需要125法郎的生活费。父亲给他150法郎，他当时很有钱。但是，他一直很讨厌自己，因为他父亲反对他搞艺术、反对他画画。但后来塞尚一辈子都在感激父亲，觉得自己有一个伟大的父亲，他父亲怎么怎么好。为什么?他的父亲在他42岁的时候去世了，给塞尚留下了一笔遗产，这笔遗产具体的数额，在一八多少年，那是2亿法郎。也就是说塞尚，是当时全欧洲最富有的画家，这个钱是给塞尚的遗产。我们想想，当代中国有很多艺术家，他突然有几亿，而且当时两亿，在现在来看是无法想象的，会怎样?我觉得很多人会疯了，这都有可能的。但你塞尚根本感觉不到这2亿法郎的存在。塞尚根本还是在做他的东西，他的东西没有人认同，但他要去做，做到最后塞尚成功了，塞尚成为现代艺术之父。我刚刚讲的，不仅仅是个人方式的问题，绘画还是一种信念，不是简单的一种方式，不是简单的一种成功，名利双收，不是的。作为大师来讲，可能那微不足道。塞尚就是一个例子。他当时，是全欧洲最富的画家，但很多人估计不知道他有这么一回事。而且塞尚画的大部分作品，只有一个阶段，少数作品签了日期，大部分的作品是没有日期的，这说明什么?他不断的累计。但我们今天回过头看他的作品，有很多作品不得了，非常的牢固，所以塞尚是不得了的。绘画是不仅是人的方式，还是一种信念。
观众：毛老师，我想问几个私人问题。托马斯和您是好朋友吗?你为什么一直到画他呢?
毛焰：最开始是习惯，顺其自然，我比较懒，感觉比较省事，就画他，比较简单，不要太复杂。我也没有野心，要把绘画搞得太复杂、搞得眼花缭乱。我画托马斯，实际上是一种抽象的概念，他是我的朋友，但在我的画里是抽象的概念，不代表什么。和中国当代文化没有关系。现在我们看了很多中国的元素，中国的画，这对很多艺术家很重要，但对我来说不是那么重要，我无疑当中就回避掉了这个问题。
观众：你刚刚说，不要求自己画得多么多么好，但我还想问你，是觉得现在自己画得好还是原来画得好?
毛焰：实际上，哪个阶段画得更好，这不重要。现实当中有很多人喜欢比较，这个很麻烦，老是要比、老是要分高低，很麻烦。绘画，是一个过程，你不要斤斤计较得失、高低，是一个完整的过程。现在我们去谈各自的绘画怎样怎样，别人的绘画怎样，都为时过早，而且毫无必要。而且很多人现在没有耐心，老是要想看今天怎样，没有人想看明天。这个不太好，因为很多东西，像绘画、艺术，是很缓慢的。从这个角度来讲，我不想证明自己什么，很缓慢，我自己都搞不清楚。我现在也没有办法说清楚我哪个时期的作品好，哪个时期的作品更好。这对我来说，不是最重要的事情。
观众：我的父亲，原来在南×进修过，和您一起画过画，让我见到您，让我代他问好。
毛焰：谢谢。
观众：毛老师，我们都知道，有很多绘画者、艺术家，他们其实在不断地否定自己当中成长，包括我很喜欢的一位艺术家梵高，我去荷兰看过他的画，包括他早期的作品，我们没有看到过，他可能到后来到法国碰到了(高更)，接触到日本的浮世绘，他在不断的痛苦中改变自己的绘画，一直到最后找到自己情感流露的表达方式。我想问两个问题。一个是我们看到今天您有很多关于托马斯系列的东西，这是您碰到托马斯之后的表达方式?还是你情感有了新的阶段?还是因为您刚刚说的，他只是一个抽象的符号、一个元素寄托?您现在是处于什么阶段?您现在是什么状态?
毛焰：我画托马斯的时候，刚开始真的非常偶然。我记得去年的10月份，我在北京和刘晓东喝酒。刘晓东和我聊，他就说，我知道你不是同性恋，为什么画托马斯画这么长的时间，而且化得这么好?如果你是同性恋，这个事情就大了。这就体现，我和刘晓东是两个概念的艺术家，他是看中主题、内容，他有一个确定的主题。我的概念不是主题，不是内容，我的概念是绘画的语言，所以我们是两个完全不同类型的艺术家，当然刘晓东是非常非常棒的画家、艺术家。表面上，我在画一个很单一的东西，但我实际上，我的话题绝对不是描绘托马斯，是在这个过程中要找到我个人的语言方式，而且我认为我已经达到了，这个方式可以说悉尼、可以说灰色、瓶颈、迷幻、虚无，都可以，这是我的主题。艺术家的方式不一样，有很多针对个人的方式，我找到了适合自己的方式，可以让我规避很多东西，让我可以安安静静一心一意地在绘画的语言上去做功夫，寻找自我的语言方式。中国的传统文化当中，不仅仅是讲语言的问题，要讲语境，语言的境界。我个人觉得，在中国当代艺术绘画里面，有很多艺术家非常非常棒，但我确实觉得在这上面下功夫的不多，很少。有很多画家的语言方式是西方的，是别人的方式，不是自己的琢磨的，是提炼。这个提炼，需要非常长的时间，并不是说我每天要干什么，是用心，你要专注，你的方向要明确。这个问题上，我非常明确。我要提炼出我自己的绘画语言，包括绘画的过程、绘画的方式，我也要有自己的方式。
观众：刚才您提到塞尚，塞尚是现代绘画之父。我看他画的时候，他曾经讲过拉丁几何分割，我对这个一直比较磨合。还有，如何欣赏他的画?您刚才讲座的过程中，也说过他，他的画真的不美，但却有这么大的震撼力。
毛焰：塞尚很特别，我们知道塞尚后期印象主义三个大师之一，艺术史的地位，塞尚可能是最高的。还有是早期印象主义，很简单的说，塞尚为什么寻求哪种几何结构?包括从自然里面、从古典绘画里面获得稳定的结构?其实很简单。塞尚是很奇怪的一个人，很孤僻，也很倔，也很高傲。他有时候一根筋，他很高傲，他认为早期印象主义，他并不是都看得上的，他说(莫奈)拥有一双多好的眼睛啊?他只是认为(莫奈)有好的眼睛。塞尚想做的事情就是觉得要把早期印象主义的绘画弄得恒定，弄得牢固一些、持久一些，他认为那些东西不够恒定，都是松松散散的结构，光嘛。光，毫无疑问是革命。但塞尚来看，他认为这样的艺术不够恒定，不够经典，不够牢固。牢固是什么?几何三角。所以他就在里面想。他画的布纹等，都是直线，很坚硬、很牢固，所以，由此可见，塞尚不得了。而且他画了一辈子，最后成功了。他也很笨，但最后他成功了，他很厉害。其实他也很自卑，但他同样也看不起很多人，很奇怪。当他晚年的时候，其实他已经很厉害了，很牛了，当时一个画商给他办了展览，他偷偷摸摸去看的，出来碰到儿子，说你看他把我所有的画配了外框，他觉得这个很棒啊。他慢慢被认同，但他不是装的，这就是他的可爱之处。塞尚的钱用不完，是全欧洲最富有的画家啊。
观众：您刚刚说当代艺术有很多对趣味性的追求是很低级的。是不是一副画当中显示出趣味性就是不好的画呢?刚刚的画，有一些培根的画，有对大师恶搞的作品，这个恶搞和您所说的低级的趣味性有什么区别?
毛焰：其实很多艺术家都有自己的天性、自己的个性、自己的风格、自己的语言方式，里面当然不排除个人的趣味。我刚才说得极端一些，我说我讨厌放大自己趣味的人。这实际上就是一种自恋，放大自己，感觉自己感觉好，我就要去夸张，要变本加厉、无以复加的放大、拷贝，让所有人认同，这肯定是很低级的东西，当然是很低级的东西。包括培根说的那个，那是开玩笑，按照今天的话来说是恶搞，但当时不是恶搞，他肯定很紧张。他画的时候，我觉得培根一定心里有点忐忑不安、有点紧张的，但他绝对成功了。似乎，从培根开始这就是一种招式，到今天现代艺术，这个“招”就是从培根开始，我用一个经典大师的作品搞一下、弄一下，这在当代艺术里面屡见不鲜。从这个角度来讲，培根可能是这一“招”的发明者之一，那也了不起啊，对不对?不得了啊。其实，我对培根也不是很清楚，搞不清楚他。
观众：刚才您说到，现在居住在南京。一位画家刘国夫，他蓝灰的调子、很安静的笔触。我看到托马斯有一种感觉，也是很细腻、安静，空间上有时候很深邃。我看到过不止一次他的画。
毛焰：刘国夫是我的好朋友，他的画和我一样，他有点东方式的虚无。你刚刚讲了一个词，我很喜欢“深邃感”。我也说过，我认为一副好的作品，必须要有一种深邃感，不是深刻，是深邃感。深邃，这是一种神秘的力量，不是简单的物质性的东西，深邃有特殊的气质。我觉得，深邃就是一定要有意识，深邃是深度。不是深刻，深邃是感觉，这种感觉非常重要。我说过这句话。
观众：这个展览是30年绘画，我也听到您谈了很多当代艺术。可能您在学习的过程中，也接触过很多写实派，从纪先生到袁先生，您对这些如何看?对您的绘画有什么影响?
毛焰：很多画画的，包括最开始画的，都可能从写实开始，这没办法，你不想画写实也不行。你们学习的时候，都是写实。你不想写实不行的。但这并不以为这写实就是最重要的。我也是从小受过严格的写实训练，大概到大学三年级才从写实到其他的方面。我认为，精神层面来讲，丢勒的作品是真正的写实的绘画。但你看这样的绘画写实吗?真的是精妙之极，精益求精，不是简单物质上的写实，而是精神上的。我现在看到很多写实绘画，我很讨厌，因为太写实了，太物质了。我觉得，离开人的精神和情感去画这些东西，不管画什么，都没有意义。画得那么像、那么细、那么有质感，没有意义。我很讨厌这样的绘画。但不得了，有的人功夫好极了，画得非常好，但这就是技术、就是物质性。当然物质性达到极致，也肯定是很好的，功夫在这里。但我真的觉得没有意思，就是相片，没有什么意思。我实在不喜欢写实的画。
××画的现场感，也是写生的，也很写实。
毛焰：写生领域，毫无疑问，写生视觉和功能能力，刘晓东是当之无愧、最牛的画家。有很多人问过这样的问题，我认为是天壤之别。很多人表面也画得和刘晓东差不多，也是写生的，画农民工，也是活灵活现的，但我觉得和刘晓东不能同日而语，刘晓东很棒。刘晓东各方面都均衡，能力、功夫，而且画得也很朴实，朴实就是力量，现实场景也不过分。刘晓东的东西是符合他的主题的，他的语言方式、他的画法符合他描绘的地方。有很多画家画的东西，实质上很空洞。
